María Gloria Báez
Escritora
Nacido en Asunción el 19 de enero de 1916, Moreno González encarnó una rara síntesis de rigor intelectual, sensibilidad artística y profundidad humana, cuya proyección rebasa con holgura los límites de su tiempo histórico.
La mirada de Jorge Báez Roa (1936-2016), recogida en un artículo publicado en el Correo Semanal del Diario Última Hora el 16 de julio de 1988, no se limita al recuento biográfico ni a la enumeración de méritos. Convoca un espíritu, reconstruye una atmósfera y restituye a la vida cultural del Paraguay a uno de los grandes artífices del sonido y del pensamiento musical. Desde la cercanía del discípulo y del amigo, su testimonio permite acceder a una dimensión menos visible, pero esencial, la del maestro que formó conciencias y la del artista que entendía la música no solo como arte, también como forma de conocimiento, disciplina del espíritu y ejercicio de lucidez.
Procedente de una familia patricia de la sociedad paraguaya, ligado por línea paterna al político, diplomático e historiador Fulgencio R. Moreno (1872- 1933), Juan Carlos Moreno González, creció en un ambiente donde la historia, el humanismo y la sensibilidad formaban parte de la vida cotidiana. Aquella herencia no se manifestó como un capital simbólico destinado al prestigio social, se expresó como una vocación profunda y exigente.
Desde temprano, la música se convirtió en cauce expresivo y en disciplina vital. Pianista virtuoso, compositor de altos méritos y maestro de generaciones, supo articular una vida consagrada al estudio, a la creación y a la enseñanza, entendidas como dimensiones complementarias de una misma ética artística.
Báez Roa recuerda los años del Ateneo Paraguayo cuando Moreno González ejercía la dirección de la institución y presidía las clases con natural autoridad. Un fervoroso discipulado lo rodeaba en aquellas aulas, atraído no solo por el saber técnico del maestro, también por una manera de pensar la música que ampliaba horizontes. Allí, la enseñanza trascendía largamente el aprendizaje instrumental. Cada obra era analizada con minuciosidad, orientada a penetrar en el espíritu que la había engendrado. El pentagrama dejaba de ser un conjunto de signos inmóviles y adquiría respiración, sentido y vida interior. Junto al artesano que cimenta la técnica, convivía el artista que vivifica la forma y le otorga significado. Gustaba cantar fragmentos, reiterar motivos rítmicos o melódicos, insistir hasta que la música quedara grabada en la memoria. Esa insistencia no imponía distancia ni autoridad forzada. Su preeminencia brotaba de manera natural, sostenida por la coherencia entre pensamiento y acción. Interpretar, enseñaba, significaba comprender, y comprender exigía humildad frente al texto musical. Cada compás guardaba una razón de ser, cada silencio una intención precisa. Bajo esa mirada, el estudiante aprendía que la fidelidad a la obra no excluye la libertad, la funda.
Como músico, Moreno González se distinguía por una objetividad poco frecuente. Sabía reconocer posibilidades y límites con una claridad, despojada de artificios. Esa transparencia, recuerda Báez Roa, tenía algo de mirada infantil, una sencillez que no confundía profundidad con gravedad impostada. Frente a la propia obra, surgía el entusiasmo, aunque prefería el silencio antes que la autocomplacencia verbal. Nada le era más ajeno, que concebir la música como mera efusión subjetiva. Para él, toda obra, aun nacida de una experiencia vital concreta, debía sostenerse en la racionalidad de su estructura y en el equilibrio interno de la forma. Cuando algunos sostenían que solo el romanticismo había sabido expresar emociones profundas, Moreno González respondía con una visión más amplia de la historia musical. Recordaba que las formas clásicas, lejos de ser impersonales, habían sabido contener una vasta gama de afectos humanos, desde la intimidad más recogida hasta la exaltación espiritual. En su pensamiento, la emoción no desaparece cuando se ordena, encuentra en la forma un cauce más duradero. Razón y emoción no se oponen, se integran en una arquitectura sonora capaz de trascender lo anecdótico sin perder densidad expresiva.
Hacia finales de la década del sesenta, ya como director del Conservatorio Municipal de Música, las conversaciones con Báez Roa se abrían a reflexiones estéticas más amplias. Citando a Pablo Casals y a Haydn, Moreno González defendía la libertad creadora dentro de los moldes tradicionales. La originalidad, sostenía, no residía en la ruptura exterior ni en la negación de la herencia, se encontraba en la fuerza del genio y en la solución formal hallada por el compositor. Se podía ser romántico o moderno sin sentirse incómodo en las formas clásicas, porque lo decisivo era la respuesta creativa a los problemas de la forma y no el gesto superficial de novedad. La creación musical ocupaba un lugar central y casi obsesivo en su vida cotidiana. Apuntes diarios, ideas en gestación constante y una alegría íntima ligada al acto de componer definían su ritmo interior. Esa dedicación no lo apartaba del mundo, afinaba su escucha. A ello se sumaba una intensa capacidad comunicativa como intérprete, capaz de establecer un vínculo inmediato con el oyente.
El recuerdo de la sonata “Primavera” de Beethoven, ejecutada casi de memoria, permanece como testimonio de espontaneidad, vigor juvenil y emoción compartida, donde la técnica se ponía al servicio de una expresión viva y directa.
La tragedia temprana que marcó su vida, la pérdida de ambas piernas a los once años, aparece en el relato sin dramatismos innecesarios. No se presenta como herida abierta ni como elemento de victimización, se inscribe como punto de inflexión. De aquel accidente surgió una vida espiritual intensa, orientada al estudio profundo de la armonía y la composición. En lugar de clausurar posibilidades, la adversidad abrió un espacio fecundo para la creación. Juan Max Boettner (1899-1958), lo expresó con precisión al señalar que Moreno González supo conservar un tesoro incalculable, ese espíritu de niño grande que jamás lo abandonó. Ese niño interior se manifestaba en el juego creativo, en la curiosidad permanente y en la capacidad de asombro frente al sonido. Lejos de contradecir la disciplina, ese espíritu lúdico la nutría y la volvía más fecunda. La seriedad del trabajo convivía con una libertad interior que daba frescura tanto a la interpretación como a la composición, evitando el academicismo estéril sin renunciar al rigor.
Compositor, intérprete, pedagogo y conferencista, cultivó también la zarzuela paraguaya junto a Manuel Frutos Pane (19060-1960). En esas obras, trascendiendo lo pintoresco y decorativo, exploró la psicología del ser humano de esta tierra, con sus penurias, su vitalidad y alegría resistente. La identidad paraguaya en su música, no se apoyaba en el color local superficial, se afirmaba en una vivencia interior profunda. Bajo una aparente sobriedad formal, late un impulso vital que conecta con una historia colectiva atravesada por sufrimientos y esperanzas, pero también, por una persistente afirmación de la vida. Su vasta formación humanística que integraba literatura, historia, filosofía y música, se manifestaba sin ostentación en su pensamiento. Esa amplitud, le permitió concebir la música como lenguaje universal, capaz de expresar lo particular de una tierra y, al mismo tiempo, resonar más allá de las fronteras. La creación auténtica, como señalaba Báez Roa, es siempre tributaria de su tiempo, pero se proyecta hacia el futuro con renovada fuerza cuando nace de una verdad interior y de una ética rigurosa del oficio.
En el contexto cultural paraguayo del siglo XX, la figura de Moreno González adquiere un relieve singular.
Su labor contribuyó a consolidar ámbitos estables de enseñanza musical, a formar públicos sensibles y a afirmar la música como componente esencial de la vida cultural. No se trató únicamente de producir obras o impartir clases, se trató además de sostener una concepción de la cultura como tarea paciente, acumulativa y profundamente humana. En ese sentido, su acción se inscribe en una tradición silenciosa de constructores, aquellos que, lejos del estruendo, edifican los cimientos sobre los cuales otros pueden crear y proyectarse.
El legado humano acompaña al artístico. La vida familiar, compartida con Marina González y los hijos, sostuvo la vocación creadora con afecto y estímulo constante. Moreno González evocaba siempre ese ámbito con gratitud, consciente de que la creación no florece en el aislamiento absoluto, ocurre en una trama de vínculos que sostienen y acompañan. Al despedirlo, Báez Roa habló de una categoría humana excepcional, de un maestro cuya enseñanza sigue dando frutos y de un creador que edificó un universo sonoro destinado al porvenir. Hoy, al recordarlo a ciento quince años de su nacimiento, la obra y el ejemplo de Juan Carlos Moreno González se presentan como una invitación vigente. Convocan a pensar la música como espacio de encuentro entre razón y emoción, entre disciplina y libertad, entre raíz y universalidad. En tiempos de inmediatez y fragmentación, su figura serena recuerda que el arte verdadero exige tiempo, profundidad y fidelidad a una vocación interior. La palabra de Jorge Báez Roa, escrita desde la cercanía afectiva y la lucidez crítica, rescata esa lección sin solemnidad. En ella, Moreno González, permanece como presencia activa, el maestro que aún interroga y el creador cuya música continúa abriendo caminos de belleza y sentido en la cultura paraguaya.
